POSIMPRESIONISTAS ¿de dónde salió el concepto? ¿y quiénes eran?

Roger Fry (1866-1934) conservador  de museo, crítico de arte y artista británico, inventó el término posimpresionista en 1910. Necesitaba un nombre bajo el que unificar y agrupar a un grupo de artistas diversos a los que había seleccionado para formar parte de la expo que estaba organizando en las Grafton Galleries de Londres.

Llevaría la obra de unos pintores franceses de vanguardia: Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Seurat. Pero no tenía un concepto que agrupara a los cuatro artistas. Van Gogh y Seurat ya habían sido apodados "neoimpresionistas", Cézanne había sido impresionista en algún momento y Gauguin había pertenecido al movimiento simbolista. Con el tiempo, la pintura de los cuatro artistas había dejado de tener nada en común.

La expo se tituló: Manet y los posimpresionistas. 

Manet, porque había sido el inspirador del movimiento impresionista, el cabecilla, como ya había comentado en mi anterior post.

El título funcionó pero la expo fue un fracaso y Fry fue abucheado. ¿Quién nos lo iba a decir, cuando ahora las obras de esa gente se venden por millones de euros... En fin, el arte, un caso a parte, a veces sin sentido, donde puede más el morbo de un artista muerto para revalorizar una obra que otra cosa... Pero no nos desviemos del tema.

Curiosamente, dos artistas no abuchearon a Fry sino lo contrario, creían en su talento, y le invitaron a formar parte de un grupo de intelectuales bohemios llamado El Grupo de Bloomsbury que se reunían en casa de Virginia Woolf. Esos dos artistas eran:

 Vanessa Bell*1 y Duncan Grant*2

 Vanessa Bell era hermana de Virgina Woolf.

Fue entonces cuando Fry comprendió la importancia de la vanguardia parisina. Dejó de lado el arte antiguo y se dedicó exclusivamene al arte del presente.

Ninguno de los posimpresionistas llegó tan lejos como Van Gogh.

VAN GOGH (1853-1890)

Era el mayor de seis hermanos. Su padre era reverendo pero su tío era socio de los marchantes de arte Goupil & Cie de La Haya y ayudó a su sobrino a formarse como aprendiz en la compañía. También trabajó como maestro de escuela en Ramsgate e incluso trabajó gratis como pastor, escribiendo durante ese tiempo una carta a su hermano confesando que no sabía muy bien para qué estaba en el mundo y cual era su camino y su valía.  Su hermano le aconsejó que se hiciera artista, y así comenzó su andadura. Durante un tiempo pintó hasta que le surgió una de sus crisis y se fue a Arles a descansar. ¡Fue durante ese período de 14 meses en Francia que pintó  cerca de 200 cuadros! Estuvo conviviendo con Paul Gauguin, se habían hecho amigos en París y compartían una ambición: ir más allá del impresionismo. En esa época parece que tuvieron alguna trifulca y en una de esas Van Gogh se fue a un burdel y se cortó parte de una oreja.

Van Gogh se encaminaría hacia una expresividad mayor con el tiempo: no pintaba lo que veía sino cómo se sentía acerca de lo que veía. Distorsionaba imágenes para transmitir emociones. Por eso Van Gogh sirvió de inspiración a uno de los movimientos más duraderos y significativos del SXX: el EXPRESIONISMO. Aunque murió siendo pobre y un desconocido, su influencia empezó después de su muerte. Edvard Munch pintó su célebre El Grito (1893), una obra totalmente deudora de Van Gogh.

PAUL GAUGUIN

Otro desgraciado que también murió en la ruina y ahora sus obras se venden por ahí a precios desorbitados. Sin ir más allá, este año se ha vendido a un desconocido Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?), por 300 millones de dólares.

Gauguin, al parecer era un arrogante, un dandi, un energúmeno, un cínico y un egoista. Su mentor, Pissarro, decía de él que era un intrigante, y pensaba que su obra era simplemente mala.

Gauguin dejó la vida de corredor de bolsa, coleccionista de obras impresionistas en un intento de ser uno de ellos. No obstante los impresionistas no pensaban que estuviera a su altura. De modo que Gauguin les retó y empezó a utilizar colores vivos que no utilizaban los impresionistas. Monet gritó: -¡Mon Dieu!, este tipo va a por nosotros...-

Vincent Van Gogh había subido los tonos de color para expresarse mejor y Gauguin subió más la escala si cabe.

Visión después del sermón: Jacob luchando con el ángel (1888)

Este cuadro de Gauguin es precursor del SURREALISMO. Con este cuadro pasa de ser un aficionado a ser considerado una figura de la vanguardia. Pasó un tiempo viviendo en Bretaña, pasándose por campesino, estaba arruinado. Luego se marchó a Tahití para crear arte sencillo, quería renovarse en una naturaleza virgen y vivir y narrar un modo de vida prehistórico para huir de la vida moderna. Pintó así sus mujeres desnudas o semidesnudas.

Gauguin influenció a muchos artistas de la talla de Picasso, Matisse, Munch, Bonnard, etc. Si pudiera levantar la vista y ver por un momento que sus obras se costean en millones... me pregunto qué diría después de todo lo que tuvo que pasar.

GEORGES SEURAT

Como buen posimpresionista, Seurat pretendía ir más allá del arte impresionista y para ello trabajó duro, muy duro. Era un artista que se tomaba el arte muy en serio. Decía Paul Signac que su pobre amigo se mató de tanto trabajar. En realidad, murió con solo 31 años de una presunta meningitis que se llevó a su hijo pequeño dos semanas después y a su padre algo más tarde. Pero parece que el tiempo le cundió, y dejó su gran legado.
Seurat era un tipo solitario, siempre estaba trabajando en su estudio, hacía bocetos en el exterior pero los terminaba en su estudio, a diferencia de los impresionistas. Su intención era captar la intemporalidad, quería ordenar la pintura caótica de los impresionistas para plasmar una idea de objetividad.

obra de 2mx3m, pintado con 24 años

La pintura es más precisa que la de los impresionistas, crea formas, no es ambigua. Durand-Ruel se llevó el cuadro a EEUU como parte de su exposición de 1886 junto a obras impresionistas, y aunque no recibió buena crítica, sí era un honor estar junto a otros pintores reputados de la época. En este cuadro se advierte su futuro puntillismo donde su técnica consiste en separar el color para dar más brillo. Lo que hizo fue poner puntos de color aplicados de forma meticulosa, sustituyendo la forma de pintar de los impresionistas a base de pinceladas fugaces y bruscas. Sus puntos no se mezclaban ni se tocaban

Esta es una de las obras más célebres de la historia. Es la cima del puntillismo. No obstante, los personajes parecen de cartón piedra, sin vida. Este cuadro se exhibió en la octaba exposición impresionista, la última, en 1886, señal de lo mucho que había cambiado el impresionismo. No intenta captar el momento sino que parece un teatro de personajes congelados: no resulta real.

PAUL CÉZANNE

Cézanne en su estudio

 El impresionista más viejo y maniático, dicen, pero también el mejor de todos cuando uno capta su arte.

"Fue el primer artista que pintó usando ambos ojos" - Dijo David Hockney a Will Gompertz.

Cézanne fue "el maestro de Aix", apodo que le dieron tras dejar Paris por su tierra de origen: Aix-en-Provence. Estaba fascinado por sus paisajes y se pasó años estudiando la naturaleza, la luz y el color. Le gustaba pintar objetos estáticos para poderlos mirar largamente y hacerse una idea correcta acerca de lo que estaba viendo. Le gustaba la exactitud. Su máxima aspiración era la certeza. Se preocupó por el cómo veía, y eso le hizo separarse del impresionismo, es por eso que decimos que es posimpresionista. (Ver no es creer, es someter a juicio). Él decía que tenemos dos ojos y cada uno capta una información diferente y es el cerebro el que aglutina el resultado, de ahí su inquietud hacia lo que veía. Decía que no había una sola perspectiva sino dos. Era la puerta al MODERNISMO.

Naturaleza muerta con manzanas y melocotones

 Cézanne pintó cientos de bodegones en sus cuarenta años de carrera, y lo hacía siguiendo su método: con ambos ojos. A priori parece un bodegón simple pero si nos fijamos, ha pintado la jarra desde dos perspectivas diferentes: una a nivel de los ojos y otra desde arriba. Y la mesa está puesta de manera que si realmente fuera así, la fruta rodaría hacia el suelo.  Es decir, ha hecho un compuesto de las diferentes vistas que podemos tener al contemplar el bodegón. Esta visión binocular condujo directamente al CUBISMO: se abandona la ilusión tridimensional por la información visual. Y eso no era todo, sus investigaciones le llevaron también al ARTE ABSTRACTO.

Seurat se alejó de los impresionistas porque buscaba un arte basado en la disciplina y la estructura. Van Gogh y Gauguin porque se cansaron de la realidad objetiva que perseguían y Cézanne en cambio pensaba que los impresionistas no eran totalmente objetivos. Cézanne pensaba que todos los pintores debían consagrarse en cuerpo y alma al estudio de la naturaleza. Era una mezcla entre la seriedad de los clásicos y el color de pintar al aire libre de los impresionistas. Quería por lo tanto, pintar al aire libre para captar la esencia de los colores de la naturaleza.

El padre de Cézanne quería que estudiara derecho y se vistiera como un hombre serio pero él se negó y así su padre tuvo que resignarse y pagarle sus estudios artísticos. No fue hasta la muerte del padre, que le dejó una herencia generosa, que él pudo encontrar algo de paz y tranquilidad. Siempre habían tenido una relación tensa.

 Montaña de Sainte-Victoire

¡Se trataba de ver la naturaleza como nadie la había visto antes!

25 años después, Cézanne llegaría a su conclusión lógica: la abstracción total, reproducir la realidad mediante una reducción a formas geométricas. Y luego esa forma de hacer arte se expandió por todo el mundo.

Sus ideas acerca de una retícula y de la simplificación de los detalles en formas geométricas aparecen en la arquitectura de Le Corbusier, los diseños angulares de la Bauhaus y la obra de Piet Mondrian.

Cézanne murió a los 66 años por una neumonía que contrajo tras una tormenta que le pilló pintando fuera. En 1907 se hizo una expo en homenaje a Cézanne que fue un éxito.  Había un joven español, Picasso, que dijo en una ocasión: "Cézanne es mi único maestro. Por supuesto que vi sus cuadros... y me pasé años estudiándolos!"

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Curiosidades:

*1- Vanessa Bell (1879-1961): Pintora e interiorista británica. Fue educada en casa por sus padres y estudió pintura en la Royal Academy. Después de la muerte de sus padres se mudó al barrio londinense de Bloomsbury con su hermana Virginia y sus hermanos Thoby y Adrian. Allí entraría en contacto con artistas, escritores e intelectuales que conformarían el Círculo de Bloomsbury. Se casó con Clive Bell, crítico de arte, y tuvo dos hijos pero acordaron tener una relación abierta con lo que se permitían amantes ambos. Vanessa tuvo relaciones con Roger Fry y Duncan Grant, con el que tuvo una hija, Angelica, aunque fue criada por Clive Bell como si fuera hija suya. Durante la I Guerra Mundial, se mudó a Charleston con su marido Clive, su amante Duncan, y el amante de Duncan, David Garnett. Murió en esa casa de un ataque al corazón en 1961.

Vanessa introdujo el impresionismo en Inglaterra, situando los rostros en blanco y dejando que el interior fuera lo que expresara el rostro, impactado por el ambiente. Eso hizo su hermana en la literatura.

retrato de su hermana Virginia Wolf

flores en jarrón

*2- Duncan Grant (1885-1978): Artista escocés, de condición bisexual, estudió arte en el Slade School, así como en Italia y París. Su caracter bondadoso y encantador hizo que jamás le faltaran amantes o amigos cerca. Pintó paisajes y retratos.

 

autoretrato 1910

retrato de Vanessa Bell (1918)

Fuentes:

Will Gompertz y wikipedia.

Hasta el jueves, en el Café Guerbois...

¿Quiénes eran esos hombres que se reunían las noches de los jueves en el Café Guerbois, núm 11 de la Grande Rue des Batignolles (hoy el núm 9 de la Avenue de Clichy), para discutir sobre la vida y el arte...?

Manet comentaba:

"Nada pudo haber sido más estimulante que los debates regulares que acostumbrábanos a tener allí, con sus constantes divergencias de opinión. Mantenían aguzado nuestro ingenio, y nos proporcionaban una reserva de entusiasmo que nos duraba semanas y nos sostenía hasta que se concretaba en la realización de una idea. De esas discusiones emergíamos con una decisión fortalecida y con nuestros pensamientos más claros y mejor definidos".

En la Francia del SXIX los pintores sólo podían exhibir sus obras en el Salón de París, vinculado a la Academia de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. En 1863 Manet mandó un cuadro:

 Desayuno sobre la hierba

Cuando el jurado lo vio, clamó al cielo por esa forma de pintar tan lejana a sus requisitos básicos, ¡fue un escándalo!, con lo que la Academia decidió abrir otro Salón paralelo para exponer las obras que habían sido rechazadas.  Fue entonces cuando los pintores del Café Guerbois, decidieron, junto a Manet, abrir una sala propia para exponer sus cuadros y surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores (15 de abril al 15 de mayo de 1874).

Acudieron 3500 visitantes que se burlaron de los cuadros de esos pintores jóvenes tan insólitos.

Esos eran los impresionistas, esos que a mitad del SXIX querían pintar diferente, con total libertad, sin tener que seguir las reglas estipuladas por una Academia anticuada que sólo pedía o exigía temas mitológicos, religiosos, históricos o de la Antigüedad Clásica (como Leonardo, Miguel Angel o Rafael).

Antes de los impresionistas, los pintores pintaban en sus estudios, a base de notas que tal vez habían tomado previamente en el exterior. Los impresionistas querían empezar y terminar sus cuadros al aire libre, en plein air. Los impresionistas iban veloces con sus pinceladas bruscas para captar el momento, la luz del instante. No degradaban la pintura, la empastaban. Había energía. Pero no gustó. Fueron tachados de infantiles e intrascendentes. La Academia afirmaba que esos rebeldes no pintaban como debían pero ellos perserveraron. Y lo hicieron a la vez que París evolucionaba y crecía. En esa época se inventaron los tubitos para guardar la pintura que podría llevarse al exterior, algo insólito, nuevo.

Cuando ellos llegaron, lo pusieron todo patas arriba. Aquí están algunos de esos valientes:

MONET

Lee su biografía aquí.

A él se le debe el nombre que marcaría el movimiento más importante del arte moderno con este cuadro: Impresión, sol naciente.

Crítica tras la exposición del cuadro y que dio nombre al movimiento impresionista:

¡Debí suponerlo!. Acabo de decirme a mí mismo que cuando estoy impresionado, tiene que haber una impresión.¡Y qué libertad, qué ligereza de pincel! Un tapiz en estado original está más elaborado que esta marina.

Louis Leroy

PISARRO

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Paseo a Chaponval

RENOIR

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El desayuno de los barqueros

SISLEY

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Flood at Port-Marly

DEGAS

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Bailarina

Y a la cabeza, el pionero, el cabecilla:

MANET

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Olympia

El padre de Manet fue un juez que pretendía que siguiera sus pasos en la vida, pero un tío suyo más soñador, que le llevaba por ahí de museos cuando era niño, le animó a que se hiciera artista. Siempre digo que todos llevamos algo de arte dentro y que es la suerte de tener a las personas adecuadas a nuestro alrededor, lo que hace posible que eso pueda llegar a surgir y hacerse realidad. Esa es la suerte que, a veces se tiene, y a veces no se tiene. No obstante, lo que yo aprendo de esta lección es que los impresionistas pasaron penurias de todo tipo, fueron rechazados, humillados, y a pesar de todo eran fieles a ellos mismos y defendían aquello en lo que creían. Más allá de entrar en detalle dentro de sus vidas (eso lo dejo a la curiosidad del lector), me quedo con el mensaje que nos transmitieron y que básicamente radica en romper el molde si es preciso y no dejar jamás que nadie te diga "no".

Sé fiel a tu instinto, ese será tu arte.

Los huevos de Lola (¡pobre Lola!)

"Los Huevos de Lola no pretende ser un producto
de comercialización, ni una marca, se trata de una
idea surgida a causa de la superproducción de huevos
y las ganas de crear una imagen que le otorgue un valor
añadido a la recompensa diaria de nuestros animales."

 

http://vorjailustracion.blogspot.com.es/p/los-huevos-de-lola.html

CONRAD ROSET

Menuda suerte tener este don para dibujar..

 Temas femeninos

Temas animales

 Y menuda suerte trabajar en un estudio así:

"Conrad Roset ha pasado la primera parte de sus 29 años en Terrassa, su ciudad natal, entre cajas de colores, rotuladores y libretas; la otra parte en Barcelona, rodeado de pinturas, moleskines, musas, lápices de colores y su gato gris. El dibujo ha sido una pasión y una constante en su vida, desde que jugaba con su hermano a dibujar todo lo que les gustaba, hasta que años más tarde se inspiró en las mujeres para crear las Musas, su colección más personal. - busco la belleza que desprende el cuerpo, me gusta dibujar la figura femenina-.

Se formó en la Escola Joso y en la facultad de Belles Arts de Barcelona. Gracias a la difusión de sus ilustraciones por internet empezó a trabajar para Zara. Allí, dice, aprendió el oficio, la regularidad, a estudiar estilos de ilustradores de referencia. Al cabo de un año se lanzó como freelance y desde entonces trabaja para diferentes marcas, agencias de publicidad y editoriales.
 
Ha expuesto en galerías y museos como el MOCA de Virginia, SopkeArt en San Francisco, London Milles en Londres, Tipos Infames en Madrid, Artevistas y Miscelanea en Barcelona. Además, colabora como profesor de ilustración en la Escuela de diseño BAU."

 Web COnRad RoseT